Musique

 Utiliser l’ergonomie du matériel et du geste pour améliorer ses performances artistiques

Pour le musicien en situation de performance professionnelle connaitre les prérequis techniques, biomécaniques, de la posture et la gestuelle est une nécessité vitale. Pendant ses études, le musicien axé sur la performance n’a pas forcément été accompagné dans son évolution par des principes posturaux construits et scientifiquement évalué. Bien souvent, la recherche de technicité justifie des efforts quantitatifs et répétitifs particulièrement délétères pour le corps et l’esprit. Combien de musiciens sont victimes de troubles fonctionnels et autres pathologies limitantes compromettant de facto leur avenir professionnel bien avant l’âge de la retraite.

Gestion du trac

Nos futurs musiciens sont, sans le savoir, de futurs sportifs de haut niveau dans l’art. Ils auront bientôt en commun la passion, l’exigence, la volonté, la rigueur, la persévérance et, peut-être aussi, un mauvais trac. Les sportifs l’ont bien compris et font, en plus de leur entraînement physique, une place importante à la préparation mentale dans leur pratique quotidienne. Les approches cognitives leur ont permis de se dépasser et même de se surpasser dans des disciplines où tout semblait figé pour longtemps. La formation à la gestion du trac tourne autour de la préparation physique et mentale afin de vous donner de nouveaux outils qui vous permettront de gérer au mieux vos réactions et vos émotions afin de vous débarrasser du mauvais trac qui peut, dans certains cas malheureux, détruire en quelques instants le travail de plusieurs années. Pour ceux ou celles qui ont un bon trac, ces outils boosteront leurs capacités.

Optimisation émotionnelle

Le principe de l’environnement émotionnel choisi vient de deux constats majeurs: le premier réside dans le fait que le musicien subit l’état émotionnel dans lequel un ensemble de facteurs le plonge au moment de la performance. Cet état, indépendant de la volonté, prend malheureusement le pas sur sa préparation quelle qu’en soit sa qualité. Le deuxième est que le cerveau humain ne peut ressentir deux émotions totalement opposées en même temps. Ainsi, en s’entraînant à choisir les états émotionnels liés aux contextes artistiques, le musicien ne subit plus les émotions parasites dues au stress de la situation

Optimisation rythmique

Bien souvent dans la formation initiale du musicien professionnel on apprend à travailler le rythme de manière intellectuelle et non de manière ressentie par le corps. Les méthodes utilisées consistent à mettre en place une habitude de suivi auditif d’une pulsation via un métronome.

Même si celui-ci reste un bon outil de contrôle de la régularité de notre pulsation, il ne permet pas pour autant d’acquérir la sensation nécessaire qui permet d’avoir un parfaite maîtrise du tempo lors d’une exécution publique ou pendant une épreuve de recrutement en vue d’obtenir un poste de titulaire dans un orchestre.

Travailler au métronome sans avoir conscience des enjeux peut même engendrer de graves difficultés dans la perception de la pulsation intérieure, engendrant de facto des problèmes techniques de réalisation, d’interprétation, pouvant être totalement rédhibitoires pour réussir une épreuve de recrutement.

Maîtriser le Sound Design

Le Sound Design est la construction de l’identité sonore d’un film, d’un jeu vidéo, d’une fiction, d’une publicité… Résultat du travail d’un ou plusieurs sound designers, il participe à la création d’un univers, d’une identité, par la création ou l’adaptation de musiques et de bruitages.

Maîtriser le sound design exige de nombreux savoirs et savoir-faire : musique, informatique, technique du son et créativité. Quand on sait comment un univers sonore peut impacter le grand public, on comprend facilement l’importance du sound design (et d’une bonne formation dans ce domaine !) dans le panorama cinématographique et audiovisuel.

MAO et orchestration

Les musiciens et les chanteurs sont actuellement confrontés à un univers professionnel en pleine mutation où la concurrence est très rude. Il est devenu nécessaire d’acquérir des savoir-faire périphériques afin de rester compétitif sur le marché de l’emploi. Les compétences indispensables pour savoir utiliser les logiciels de MAO en vue de réaliser des orchestrations professionnelles sont centrales dans la carrière des musiciens professionnels amener à créer leur propre spectacle et nombreux sont ceux qui souhaitent développer leur qualification et leur savoir-faire dans ce domaine.

La réalisation de tels savoir-faire demande des connaissances techniques précises et spécifiques à la fois pour trouver un matériel adapté mais également pour l’utiliser correctement et efficacement. En travaillant sur la totalité du processus, cette formation donne aux musiciens et aux chanteurs les outils et savoir-faire adéquats pour utiliser les logiciels et réaliser des orchestrations professionnelles.

Droit des contrats et du spectacle vivant

Le droit est partout, en ce compris au coeur du spectacle vivant. Pour y évoluer sereinement, en tant qu’artiste ou technicien, il est essentiel de connaître certains aspects juridiques qui ne manqueront pas de s’inviter dans notre carrière.

Droit des contrats, droit du travail, propriété intellectuelle, droit pénal… de nombreux pans de la législation française nous concernent et ne peuvent être méconnu.

Enseigner l’ergonomie selon les principes de l’ergonomie du matériel et du geste

Ce qu’un professeur transmet à un élève marque ce dernier pendant de nombreuses années, voire pendant toute sa carrière.

Pré-requis pour être titularisé au sein d’un orchestre d’envergure internationale

Bien que la formation artistique initiale nous apprenne à maitriser les différents aspects de notre technique instrumentale et artistique individuelle, nous ne sommes pas toujours préparés à la situation particulière de la pratique collective au sein d’un orchestre de musiciens titulaires.

En effet bien que le concours permette de révéler un certain niveau artistique et technique des postulants, les clés de réussite de l’entretien d’embauche spécifique permettant d’obtenir le précieux sésame de titularisation (CDI) ne sont pas les mêmes que les compétences individuelles nécessaires à la performance du musicien. Il est nécessaire pour le musicien professionnel postulant à ce type de poste de pouvoir appréhender tous les aspects de la pratique collective indispensables à ce métier afin de pouvoir être au plus proche des attentes de l’orchestre visé et prétendre à devenir l’un de leurs.

Optimisation méthodologique et organisationnelle

La préparation d’une épreuve de recrutement pour un ensemble orchestral exige une bonne dose d’organisation. Les problèmes d’emploi du temps, si l’on n’y prend pas garde, peuvent se multiplier et impacter les chances de réussite d’une audition de recrutement: apprentissage non efficient, mauvaise méthodologie de travail, contraintes familiales, environnement professionnel. Les mois et semaines qui précèdent le jour du concours seront plus faciles à vivre avec une bonne optimisation méthodologique et organisationnelle.

Optimisation de la posture et du geste

Pour le musicien d’orchestre en situation de préparation d’audition de recrutement, l’optimisation posturale et gestuelle est une nécessité vitale. Pendant ses études, le musicien axé sur la performance n’a pas forcément été accompagné dans son évolution par des principes posturaux construits et salutaires. Bien souvent, la recherche de technicité justifie des efforts quantitatifs et répétitifs particulièrement délétères pour le corps et l’esprit. Combien de musiciens sont victimes de troubles fonctionnels et autres pathologies limitantes bien avant  "la force de l’âge" .

S’adapter à son nouvel environnement professionnel

À sa sortie des études supérieures, le musicien professionnel n’a pas encore acquis toutes les subtilités d’attitude et les différents modes de jeu inhérents à la pratique au sein d’un ensemble orchestral déterminé… En effet, dans le contexte d’un contrat travail avec un ensemble orchestral déterminé, le musicien supplémentaire, par opposition au musicien titulaire, ne sera pas forcément averti de ce que l’on attend de lui.

Le directeur artistique a vocation à s’adresser à l’ensemble des musiciens et non à un seul en particulier. Le musicien va devoir s’adapter de manière totalement intuitive et autonome pour acquérir le sens artistique et les éléments techniques qui sont tacitement déjà partagés par les musiciens titulaires de l’ensemble. Sans cette capacité d’adaptions technique et artistique, son insertion professionnelle pérenne pourrait être compromise.